信仰、基督形像與藝術創造

 

「愛子是那不能看見之上帝的像。」（歌羅西書 1:15）

「他是上帝榮耀所發的光輝，是上帝本體的真像。」（希伯來書 1:3）

 

引言

藝術乃構成西方文化史的重要部份，若單從繪畫的源流去看，當中佔絕大部份的作品，皆為與基督教有關的題材。看整本《聖經》，自舊約到新約，前後均有連貫性，全為上帝的話語及啟示：計有基督教教義、信仰的道理以及永恆的信息。藝術家透過信仰而來的感悟，運用神賦與的創意及創造力，將聖經的內容形象化，構成視覺傳達的圖像，除作裝飾美化的器物外，最為重要的還是其教育的功能，藉圖像解碼，幫助世人更能深入明白教義和道理。若論及歷來不停被描繪的聖像，當推耶穌基督，特別是耶穌一生中的不同階段，更廣為歷代藝術家使用。
 

淺析聖像與偶像之爭

基督教教義與文化奠定西方文明的發展，帶來自由與愛，並促進精神建設、科學發展和人文藝術的興起。在基督教歷史之中，於第四世紀之前，曾出現聖像與偶像之爭，對聖像的敬禮常被指責為偶像崇拜。當時猶太人並不允許信眾描繪上帝的圖像，一方面避免偶像化，另一方面也害伯引來「多神主義」的崇拜，有違「獨一真神」的教義。因基督教信仰強調上帝是惟一真神，故不容產生混淆與衝突。
 

宗教信仰帶來藝術

直至第六世紀末期，由於文化水平低下的信徒甚眾，識字者寡，無法閱讀《聖經》，亟需圖畫故事代替文本，以強化教誨功能。與此同時，歐洲亦進入黑暗時代，疫症橫行，人口銳減，人心絕望，宗教信仰乃成為唯一的希望。其實，在人類的進程中，西方基督形象呈多樣性，除來自禮儀崇拜及視覺裝飾外，並可激發世人對上帝的追尋、引導信徒切身感受和親近神，特別是作為人子的模樣：道成肉身、屈尊降卑，承受人間苦難，飽嘗譏諷嘲弄，最後被釘十字架，代贖捨身，帶來永生的盼望，給與世人莫大的安慰，也因著此緣故，「耶穌十架圖」便成為歷來最常見的主題。

 

作為宗教藝術，早期的基督教藝術，從信仰角度出發，透過藝術的創造，漸次發展出一套嚴謹的規則與傳統，也極具象徵的意義，如使用金色象徵天國的榮耀，故在拜占庭時代的聖像畫中，所有背景均塗上金色，同時在畫面中採用平面性的表現，並置於教堂壁上，作為「進入永恆的窗口」的喻意，讓信徒即使身處塵世，仍可感領靈性的形體。

 

當然，信仰來自《聖經》的教導，自中世紀至今，從壁畫、手抄本插圖及雕像中，當可窺見基督的肖像，也為西方傳統奠定一個讓世人熟悉的基本模樣；長方形的面孔、留著鬍子、中分髮型，神情嚴肅、面容詳和。根據文獻記載，此乃受希臘文化的影響而來，其中「黃金比例」及「正面率」的使用，當可佐證。假如使用《新約》的概念，肖像的「目的」是為了表達父子的獨特性。若撇除這個肖像的特徵，是否真切感受上帝的臨在，純粹只從藝術的「移情作用」及「聯想空間」的角度去看，當能使人於藝術作品中，對「拿撒勒人耶穌」的形象的塑造，衍生相互的關連。( 圖1 )

 

 

( 圖1 ) 基督肖像 ( 約6世紀 )
 

繪畫創作中的基督造像

藝術家匠心獨運，從人性角度出發，為「道成肉身」的基督，創造了不同的造形。
 

1 母與子 ： 《坐在椅上的聖母》是文藝復興大師拉斐爾的傑作。看懷中的耶穌基督渾圓的軀體和害羞的臉容，既雄壯有力，也謙卑平易。母親緊抱的慈愛，也給人幸福的「人性化」感覺。( 圖2 )

 

2 基督受洗 ： 站在畫面前方的主要人物是耶穌基督，正身處水中，俯下頭來，準備接受洗禮，光線照在呈白色的赤裸軀體上，顯出純潔無瑕的氣質。施洗約翰用手緊扣樹幹，小心奕奕，深知責任重大。( 圖3 )

 

 

( 圖 2 ) 坐在椅子上的聖母    拉斐爾  

 

       

                                                              ( 圖3 ) 基督受洗圖   波多內

 

 

3 背負十架 ： 畫家透過鮮艷的色彩和戲劇性的表情，以表現耶穌受難的事蹟。乏力的耶穌，扛著十字架，位在畫面中央，回頭望向一群痛哭的婦女，示意不要為他哀哭，產生了戲劇性的張力。( 圖4 )

 

4 被釘十架 ： 被釘於十字架上的耶穌，身體發出亮光，畫中三人同時舉目仰首上望，似在向上帝呼求，並充份流露出敬虔的神情。此畫作者特別鍾情古典精神，並刻意在畫中呈現出來。 ( 圖5 )
 

5 卸下聖體 ： 魯本斯在畫中採用「對角線」構圖，並將主題集中在中央，以拉出張力及增添戲劇性。作為凡人的基督，因體內的血流盡，全身呈現蒼白感，與在旁仰首哀痛的母親的臉色相同，似在暗示母子同心的感情。 ( 圖6 )

 

 

   ( 圖4 ) 耶穌背十架圖       馬提尼     ( 圖5 )  耶穌釘十架圖       雷尼 

 

 

 

 ( 圖6 ) 卸下聖體圖        魯本斯

 

 

經文引據與藝術想像
 

在《聖經》中探討有關基督的外觀形像的依據，可先看下列兩段引用的經文：
 

1.「他無佳形美容；我們看見他的時侯，也無美貌使我們羨慕他。」（以賽亞書53 : 2）

 

2. 「你比世人更美」（詩篇45 : 2）

 

許多人認為要從《聖經》中去尋找基督的肖像是徒勞無功的，即若如此，很多研究學者，若從神學角度去看，一般都會引用第一段經文。看到作為「人子」的耶穌並不俊美，咸認為乃出於偏重「卑微」的表現，以揭示「平凡世俗」的樣式。其後更因人子擔負人類的罪惡招致受苦，引來扭曲變形的形體，特別是背負十架與在十架上受死的模樣。藝術家甚或用上「丑化」的手法及戲劇性的張力，以取得震撼懾人的效果。「我的上帝！我的上帝！為甚麼離棄我？」（馬太福音27 : 46）耶穌呼叫的深層意義，正是透過藝術家的想像與創意，於畫面中形象化傳遞過來，並彰顯背後隱約的神性。
 

 

要將第二段經文與第一段相比，若純從美學角度去看，實在大相徑庭。對基督形象產生兩極化的觀感，兩者予人絕不調和的感覺。但奧妙之處正因如此，在兩極之中所產生巨大的張力，正好為藝術家在創作過程中，提供了無數創意及塑造的空間，令藝術創作可表現出「多樣化」的形式。由於受到東方教會的影響，實在需要化身為美麗的形象，因人確信只有美的肖像畫，始能展現神獨特的形象及其擁有的權柄。在古代君王，常使用大量肖像畫，藉此表示自己的存在和擁有的權位，實有異曲同工之妙。
 

結語
 

總體來看，繪製一幅感覺真實的基督肖像，同時也能夠表現父子奧祕的深層意義，是藝術家表現此一神聖的主題的重點。若藝術家只倚靠人類的想像，尋找表現基督的形象，其作品終是無法超越基督崇高與偉大之處，這也是來自基督教藝術家信仰深處的疑難。其實創造來自神，無論藝術家的技藝高下不一，唯自「信仰」啟發而來的想像力及創意，在在顯示了神的慈愛與恩賜。基督教藝術家的任務，正是要表現不可見之上帝的形像，藉視覺的圖像，讓世人看見並留下深刻的印象。參考文獻記載：撰寫《四福音書》作者之一的路加，曾是一位畫家，並畫下耶穌基督和其母馬利亞的肖像，更曾得到保存。

 

宗教形象乃為多元性：有時重於「卑微」、有時著重「受苦」、有時強調俊美。「藝術創造」就是提供空間，讓藝術家身處藝術創作的位份，發揮創意，從信仰的縱線作思路發展，不必恪守《聖經》中的概述，因著基督美好形像帶來的魅力；或死亡的痛苦所牽引的感動，成為傳遞基督信仰的方式。

 



 

 

 

 

 

 

 

繪畫長存

 

「我們對於繪畫有著更崇高的概念。它是畫家體現他的內在感覺的工具。」 ------ 現代繪畫大師 馬蒂斯

 

曾幾何時，在藝術史的傳統裏，「繪畫藝術」佔了極重的地位。自早期的洞穴繪畫至20世紀因繪畫革命而帶來的新作品，皆廣受世人的重視，公認為藝術作品的濫殤。

 

一幅繪畫作品的產生，不但要表現特定的人、事與物，還必需一個決定性及定向性的主題，從而彰顯其重要性及目的性。它藉由創造性想像而產生的圖像，透過圖像，有其特定的觀看及藝術的功能。

 

回顧過去，「繪畫藝術」歷經了兩次重大的危機：最早出現在1826年，法國人尼埃普斯利用日光蝕刻法拍攝了第一張照片，開啟攝影技術的出現，由於複製照片的成果，能將圖像機械化地無限生產的效果，漸次取代了繪畫的紀實性，令繪畫的功能與價值驟然下降。

 

其後，1917年，藝術家杜象以「遊戲性」的顛覆手法，挪用現成物去從事藝術創作，帶來藝術巨大的衝擊。進入「後現代主義」的當代藝術時期，情況更見熾烈，強調創作以觀念為主，使用嶄新的手法及多元化媒介，宣佈「繪畫已死」，前衛藝術家更將描繪技巧棄之如屣，認為「繪畫藝術」將於預見的未來中灰飛煙滅！

 

然而，直至今天，「繪畫藝術」卻是沒有在當代藝術的展覽中消失。追求繪畫表現的信念仍在新生代藝術家群中萌發，沉寂過後，他們明白必須重拾畫筆，在進行描繪再現的過程中，為畫面注入永恆的動力，也讓作品重啟存放的時間性，充份體現了藝術延續的生命。

 

對「繪畫藝術」的傳統懷抱惡意的人，咸認為它只管使用老方法，乃是不斷重複前人的工序與手法，實未能與時俱進。其實，他們完全忽視了繪畫藝術在意念演變中的表現功能，加上新科技、新物料、新材料，以及繪畫新風格的出現，若能善加應用，配合豐富的歷史底蘊，也足讓作品呈現多樣化的面貌，即使處在今天多元的時代，「繪畫藝術」仍能屹立不倒，輕易地融進不同的作品當中。

 

繪畫是創造和諧的、純粹的、寧靜的藝術。它帶來精神的安慰與靈魂的平靜，消弭從日常生活的來的重擔與苦難。不管是創作者或欣賞者，面對繪畫作品，必能引起我們內心的專注和平靜，緩和起伏的情緒，就如「藝術治療」中的繪畫創作活動，已在廣泛使用中。

 

我愛繪畫，面對空白的畫面，我常常聚精凝神，長久觀察周邊的事物，專注尋找形象裏固有的魅力。在描繪的過程中，我獨享創作的孤寂，透過基本的線條、形體、色彩，刻畫出直接的效果、存留著創造的趣味，即使所表現的東西不過是瞬間的印象，卻記錄了當下必須表達的思想，此屬極具意義的藝術行為。

 

在虛擬空間裏應用視覺元素，將意象圖像化或符號化，創作出直觀事物的形體，令繪畫作品成為審美載體，激發愛美的情操、傳遞藝術的訊息、美化生活的品味，這一切皆屬繪畫永存的真正意義。看繪畫作品，世上再沒有其他東西能如它般描繪出時間的溜走，卻又可存留著生命的真貌，因此「繪畫長存」，它將永不完結！

寫生 素描 速寫

澳門聖母聖誕堂

 

 

 

馬禮遜小教堂

 

家居新成員

 

 

「傳統學院派」出身的藝術家，不管屬何類創作：如繪畫、雕塑、版畫、書法，都歷經「寫生、素描及速寫」的嚴格訓練過程，且長年累月進行苦練。

即使偉大的藝術家，也從不荒廢。假若勤奮有功，除可成就紮實的描繪技巧；卓越的造形能力；還可培養透徹入微的觀察，以及掌握物象的分析，令創意及創作力提昇。

歷史告知我們：偉大的藝術家，對基礎練習，從不掉以輕心，更懂善用，以作大型創作的準備。

 試看達文西，其傳世名作《蒙蘿麗莎》中，為了畫成優雅的交疊雙手，竟作了不下數十次的手部練習。

又如畢加索的反戰巨畫《格爾尼卡》，也運用素描及速寫的手法，構思過百幅「計劃草圖」，反覆思量，才能完成動人心弦的巨幅油畫。

 我國近代藝壇，大師迭起，能畫上一手好的素描者眾，以「異鄉人」身份旅歐研習的台灣畫家席德進，當屬表表者之一。

席德進早歲於杭州國立藝專，受教於林風眠。在良師善導及影響下，勤練線條，練就了隨心所欲運用線條的技巧，其後他於旅歐期間，更向藝術家畢費學習強勁的線條；以及肯定有力的筆觸。

他認為：是傳統、或現代藝術，「素描」皆異常重要，特別是新的素描，強調以單刀直入的手法，重線條，並要表現強而有力，透過敏銳的眼睛，把豐富的心靈與情感，帶入作品裏，以產生特殊風格和個人的色彩。

旅歐期間，到處寫生。席德進所畫的，既是素描；也是速寫。他的風景寫生，尤愛直線與弧線的構成美，也常用在建築物的表現上，令線條不獨呈現造形美，也能表現體積、質感與量感。

客居外地的異鄉人畫家，因奮進不懈；勤作寫生，不但開拓了廣闊的藝術視野，且入更多創作的養份。

當代藝術，重概念哲理、輕描繪技巧，強調新觀念及表現形式，「宣佈繪畫已死」，實在是「本末倒置」的做法。

對藝術家來說，寫生並不被看成簡單而純粹的習作，那是饒有生趣的藝術研究和作品探索！

 



斷線的風箏

 

畢業展200號油畫創作獲母校收藏

 

 

藝術壯遊參觀美國藝術館

 

 

游藝情緣
自序  

人皆有過去，生命中總有回憶，回憶乃為一紙風箏，連繫著手中輕柔的幼線，也聯繫著個人遙遠的過去！

風箏，翱翔在藍空上；也蕩漾在腦海中。多年來，即使萬里翻騰，時而遠飛；時而回旋，仍在視界之內，伴我踏度青蔥歲月，也隨我步進晚晴之年。

走遍千山萬水，劃過萬里長空，於今，歲月催人，風箏乏力上騰，疲態盡現，更不幸地，線也斷了，風箏於無聲中消失，不知所蹤。

悠長的過去、歸屬與認同，因著線斷，隨風消逝。歷史的紀念、事物的情感、理想的載附，皆如晚秋葉落，躑躅蕭瑟路上，追憶似水流年，能不欷歔！

數十年的連綿歲月，相對於無邊的宇宙，實是微不足道，但對個體生命而言，卻佔去一生的大半，蹉跎歲月，欲斷難斷，卻又不堪回首！

打從少年時代，早已醉心藝術，全情投入當中。有緣進入國立台灣師範大學，攻讀美術，畢業至今，一幌眼，又是四十個年頭。持續多年，創作、讀書、思考、寫作不絕，也培育了個人在藝術上的使命感。

丹麥文學批評家勃蘭兌斯認為：「文學之所以產生，源於人類靈魂深處，有一種對現實的強烈的不滿足感。」其實，藝術又何嘗有異！

游藝半生，創作仍是一生宏願，藝術也成了個人的祝福，不但為生命添加了姿彩，也點綴美好的人生，令我遠離失落、無奈與無助，正如寫成鉅著《藝術論》的大文豪托爾斯泰所言：「我熱愛真理！每一部真正的藝術作品應當為內心世界所照亮。」

早把藝術看作人生志業，也願窮盡一生追求。即若將生命獻上，亦無咎無悔，那是我生命的憑借；心靈的寄託；感情的依歸……

回溯研藝歲月，沒有名利雙收，也免於貧困潦倒；缺了雷動掌聲，卻不乏認同共鳴；困對艱難挫折，唯堅持剛毅奮發，感謝 神，賜我力量，伴我同走顛簸的人生。

藝術從生活而來，因此，「為人生的藝術」，始為真正的藝術。藝術家必先認識世界，關心社會，用心觀察，積極追求，努力表現，才能創作美好的作品，作品必先感動自己，才能感動人心。

對藝術的追求，是我的生活信念。游藝多年，我的人生、思想及心靈活動，幾為「藝術創作」涵蓋。右手繪畫；左手寫作，是我日常生活的態度，點線色彩，營造了我的繪畫創作；心智情思，也建構了我的文字論述。我勤於閱讀：是文字、是圖像、是影像、是景觀，皆屬上佳的素材，乃為靈感的泉源，給我莫大的裨益。

藝術創作，讓我進入視覺征途；文字書寫，給我吟詠生命品味。過往鍥而不捨的追索，苦心孤詣的探求，今天留下作品無數，自稚拙而熟練，雖未達登峰造極之界，卻仍為一獨立自主的天地，期盼藉著這些作品，為自己留下藝術人生的雪泥鴻爪。

風箏已失落，際此記憶漸逝之時，好應留下片言隻語，成為生活的印記，那是我從青年時代至今日的人生軌跡，屬美好的回憶，藉此鼓勵自己，也願與別人分享美的感受。逝去的終不復返，珍惜過去，才能邁步將來。

收集於書中的圖文作品，皆為過往兩年的創作。餘生晚年，回首過去，感觸良多，追尋藝術，情緣不絕：是異地遊蹤、是藝術壯遊、是文化行旅、是域外寫生、是生活情趣、是吟風弄月、是觀木賞花，發而為文，情思細語，盡納其中。

成書過程中，承摯友英薇協助整理文稿、校對文字，謹致謝忱。家人、師友、牧者無盡的關懷、慈愛與鼓勵，溫暖我在創作中孤獨的心靈，衷心感謝。香港藝術發展局提供資助，讓作品結集出版，萬分感激。最為感恩的，是愛我的 父神，在我踏入美術學系畢業四十周年紀念之時，賜我貴重的禮品：個人創作，得以順利付梓。謹將本書獻上，願榮耀頌讚歸與 父神！
 
流金歲月，逝者如斯，生命如流水，川流不息，藝術超越時空，無遠弗屆，美有生命、有生機，在人間滋長。期盼本書，引領大家與美遇合，讓美常存在心中，是為序。

                                                             
                                       

美感觸覺與生活

生命旺盛的小盆栽

默然無語喜重生

蘭草英姿

人皆有感官能力：視覺、聽覺、味覺、嗅覺、思覺及觸覺，六者並重，缺一不可！

生活中，觸覺性屬可即可感的，在「美感經驗」裡尤甚。所謂「美感」，意指直接且具體的經驗。

固然，透過視覺藝術的呈現，自作品中得來的美感，不但美意盈盈、也充滿愉悅的快感。視藝中的形色線、藝術形式與技巧表現，也屬美感觸覺的核心。

吾人可從心理及生理的層面去探討美感的觸覺：它自先天生理而來、也可透過後天學習而得。

自先天生理而來的美感觸覺，並不涉及記憶與知識，如稚拙的孩童，看到畢加索赤子情懷的塗鴉式作品，定能產生共鳴，樂趣無窮！

若說生活中的視覺、造形及美感等類近的經驗，當可構築成思考性的美感觸覺，以及深層的思緒。

生活是生命過程的具體呈現，從基督教教義、莊子出世哲學去看，生命皆是自生向死的進程，人生於世，有若寄塵，即使時光短暫，仍需帶著美好的回憶！

春花秋月、夏榮冬枯，或繪畫巨構、懾人戲劇，皆可絃動心靈、抒發生機，而美感所呈現的表徵，更能展示生活的圖象與生命的活力！

生命有其生長性、節奏性、運動性與統一性，此與藝術創作原理互通、也與美感觸覺相符。

傳統的中國，眾皆愛美，文人喜寫字作畫、仕女愛簪花供花，即使庶民，缺了文化修養，仍擁美感觸覺，看家居裝飾，如年畫及繩結，滿載文化、美感和雅趣，足以轉變為文化的力量。

再看西方，建築的原點，只為遮風擋雨的窩棚，但上帝賜子民生命的榮美，給人類創造力，是教堂建築、抑墓地藝術，皆具靜態美與秩序美，透過美感觸覺，當可感知！

生活中，美的事物，無處不在，是自然景物；抑人情過往；或藝術中的繪畫、文學、建築、音樂等，皆滿懷美感觸覺，不但是精神的享受，更屬心靈的慰藉！

美是精神，並非物質，真實的人生是美，感情的觸發亦是美，因在生命中，真實的體會，必讓大眾取得心靈的愉悅！

生活簡單就是美

風華正茂的小盆栽

中央圖書館前的雕塑

九龍寨城公園

人屬有靈性的動物，懂思考、學習、感知和欣賞，也渴求精神心靈上的享受，亦即對美與善的同理心。

美感的素養，是精神生活的必要條件，人皆有之，不在乎居貧乏或處富足，而重在個人的修養。

有閒階級者，收藏藝術品，供個人欣賞，提昇生活的品味與情趣；安貧樂道者，也可回歸大自然，透過美景，尋得美感，感領心神的安頓。

中國道家崇尚自然、順從自然，教人陶醉於山水美景之中，因生活中的美感，不具物質條件，人皆可公平欣賞及自由追求！

我國傳統文人，棄絕名利，復返自然，簡樸清逸，粗衣淡食，讀書養志，書畫自娛，並以自然美為精神食糧，遊山玩水，盡享精神上的豐足！

將個人的目光，專注於美善的事物，不但得到美感的慰藉，更可提昇靈性；安撫心神；並修養己身。看我國山水畫及田園詩，皆自美的生活而來，讓人感領愉悅自在之餘，且在寧靜致遠之中，盡顯美的精神價值！

身處富裕繁榮的社會裏，物欲過度化的生活中，即使衣食無憂，卻精神空虛，缺了審美的眼光：也乏了鑑賞的能力，焉能判斷事物的美醜！

其實生活應如一張白描畫，樸實無華，無需過份裝飾。根據老子的智慧：「五色令人目盲、五音令人耳聾、五味令人口爽。」正好告知我們，若過度追求享樂，必將使人心迷，不知方向，又如何尋著美感呢？

繁花茂葉、萬紫千紅，固然很美，但枯木孤葉、頑石殘枝，雖非屬世俗之美，卻帶來孤寂清高的美感。

花團錦簇，是堂皇富麗的感覺；孤枝獨梅，則更顯空靈恬適之美，讓人在靜觀中得著安慰，故以簡單清苦作為基礎的審美生活，實在是飽歷人生經歷的智慧。

今日，處在「環保」的世代，不但要減少物質的浪費，更要堅持過簡樸的生活，因精神上的豐盛，正是培養美感的泉源，也促成了美感的昇華。生活簡單就是美，從品味簡潔之美開始，漸次進入為美陶醉的境界。

看當代藝術

 香港中環的後現代建築群

旺角地標朗豪坊

婆娑樹影下的力寶中心

對慣於接受「賞心悅目」作品的普羅大眾來說，藝術創作，代表完美的追求和執著，正如畫家馬蒂斯所說：「我所夢想的藝術，充滿著平衡、純潔、靜穆，沒有令人不安、引人注目的題材。」

標榜原始的情緒與激烈的反應的當代藝術，卻帶給觀眾極大的震撼力。最為大眾詬病之處，乃大量應用嶄新的多元化媒介，完全忽視描繪技巧的重要性。藝術創作變成個人論述的工具，重視創作概念、行為及過程，並不在乎作品存在的有無及價值。

自20世紀初，藝術家杜象挪用「現成物」的顛覆藝術原則的創作，畫家康定斯基的抽象畫創作，至蒙德里安運用三原色及幾何分割的繪畫，對觀眾來說，無疑是一個強迫重思藝術定義的過程。

要為當代藝術建立定義，殊不容易，因當代藝術的寬度與深度，足以涵蓋所有風格、形式的作品。藝術家在創作過程裏，不斷擴展新的概念，以石破天驚的新面貌，展現於世人面前。

不停進行新的藝術實踐；探索新的思想領域；嚐試形式上的二次創作；重建過去的面貌樣式，當代藝術總是在不斷變化中，是刻意而為、抑有為而為，或知其不可為而為，藝術家迎難而上，披荊斬棘，即若身處艱險中，仍將無畏無懼，勇往直前。

時至今日，多元化的當代藝術，自有一套運作的遊戲規則，作為藝術愛好者，不必迷失於紛擾的年代、藝術的邊界與轉化的標準。在藝術史的美學承傳和回溯延續中，歷史的轉折、人文的關懷、哲學的思潮，以及科技的發展，將為藝術的發展帶來滋潤的養份。

摒棄文明的畫家高更，晚年在大溪地所創作的名畫《我們是誰？我們從何處來？要往何處去？》正好提出與當代藝術家同樣的問題，即使時代不同，空谷中的回音，仍存哲思的空間！

我們必須放下偏執，接受既驚且喜，極具困惑與震撼的新創作，在當代藝術近乎氾濫的年代，我們將會常常遇上它，只有改變自己，作出適應，慢慢掌握對當代藝術的解碼、基調與準則，唯有如此，在面對排山倒海的大量作品時，才會學懂如何靠近它。

藝術的遊戲性

夢幻的廸士尼樂園

充滿童趣的木馬遊戲

樂高世界的火車巡禮

「那是藝術嗎？」每次進出藝術館，耳畔總會響起相近的疑問，聽著觀眾竊竊私語，看出他們滿臉疑惑，若遇上「當代藝術」作品的展示，迷惘的神情，必見諸面容之上！

對藝術的看法，有人抱存嚴肅的態度；也有帶著戲謔的成份，更有甚者，用上存疑式的否定，完全摒棄了人文精神的價值。

藝術追求美，美是人類的精神活動，兩者有著密切的關係。欣賞藝術與尋找美感，皆屬人類的行為。多接觸藝術，從中啟發個人的生命，讓美成為救贖，當遭逢挫折、墮入困惑之時，必可得著反省、渴望和期盼！

對大眾來說，藝術是文化活動，於藝術家而言，藝術卻是生活態度。其實，欣賞藝術，輕而易舉；理解藝術，也並不太難。

觀看朝日、落霞、雲海及峻嶺，從大自然中，興起美的感受，這是欣賞活動，參觀藝術館；閱讀評賞文章；學習理論歷史，乃屬理解藝術，一切來得理所當然！

再從藝術起源的學說去看：先民時期，人類從生活勞動中，創造了石器、壁畫及舞蹈，可引證藝術源於勞動，此為「勞動說」。此外，當中，如舞蹈樣式及膜拜禮儀等行為、與宗教性有密切關係，也構築成「宗教說」的理論。

無論兒童、成人皆愛遊戲，故藝術起源於遊戲的觀點，最獲世人認同。因勞動有其目的性，唯遊戲只講消閒，重樂趣，求精神上的滿足。

近代藝術將創作觀念的地位，提昇在技術層面之上，藝術家只專注於觀念與論述的建立，將創作過程交工匠處理，或直接以現成品替代。

早在1917年，藝術家杜象將現成的小便器，轉化為藝術品，定名為《噴泉》，於展覧中展出，這種帶著遊戲性的手法，說明藝術家的概念，不受限制，並可自由選擇創作的媒材。

今天，在展覧中，常會碰上千奇百怪的藝術作品，你無用惶恐、更不需困惑，當以平常心、從容面對，帶點遊戲的情懷，與作品互動對話，跟生活契合連結，你必樂在其中，其實，把藝術看作遊戲，一點也不艱深，何需自尋苦惱！