淺論後現代藝術

 

 

「在未來，人人都可成名十五分鐘。」

------美國普普藝術大師 安迪華荷

 

現今社會，科技訊息，一日千里。「現代主義藝術」的發展，也是千變萬化，正當大眾仍處於疑惑之時，「後現代主義藝術」卻異軍突起，形成一股新的『文化氣候』，此屬50年代以來歐美各國繼現代主義之後前衛藝術思潮的總稱，又稱「後現代派」。

 

後現代主義藝術，崛起於歐洲大陸，主要是在法國，70年代末80年代初，曾於西方世界風行，並漸次影響世界各地。它最早在建築領域裡出現，爾後才擴展到其他藝術的類別。它大力反對現代主義的諸多觀念、形式與界定，簡單來說：現代主義的特點是傾向統一性和簡潔化，唯後現代主義卻趨向於多樣化和趣味性。

 

藝評家認定後現代主義藝術，乃屬一種由出世的境界回到入世的文化思潮，正與現代主義的觀點適得其反，亦不若現代主義般體現出時代的風格，後現代主義藝術的最大特徵：是缺乏藝術的標準，將精英藝術、高雅藝術與流行文化、商品藝術進行模糊化，並解構當中的差異，它是高尚文化與通俗文化的匯集，令兩者之間的藝術藩籬，不復存在。

 

後現代主義藝術的重要概念：是把任何藝術的形態，都放在同一層次和平面上，並以快速的消費方式，滿足大眾的低層次的文化需求。看普普藝術大師安迪華荷，挪用影星瑪麗蓮夢露這位公認最具美貌卻乏深度思想的「夢中情人」的形象，以創作版畫，並作複數性的大量生產，正為最佳的範例。

 

後現代主義藝術呈現的：究意是何樣面貌呢？是「後現代」、或「反現代」、抑「新現代」？美國藝評家佛翁伯瑞認為是「返回傳統」及「返回歷史」，亦即「返回繪畫」並「重返物體」去。在後現代主義藝術裡，各種形式、內容可作交流及匯集，成為多元性、折衷性及複製性的特色。

 

基於此一概念，進入80年代，藝術創作，百花齊放：歐洲藝術直接繼承渾厚的文化傳統，如德國重返表現主義、法國返回歷史與神話、義大利回復形而上繪畫，美國更揚棄前衛抽象藝術，承續了60年代普普藝術的大眾化手法，從電視文明、漫畫、卡通及電腦圖像取材，大量使用壓克力顏料、噴漆及混合物料，創作一種帶表現性、本能性及敘事性的影像及圖像。

 

後現代藝術是文化的產物，唯有從認識文化的本源，才能對它有深刻的了解，它打破精緻藝術和大眾藝術之間的存在界線，同時也責難藝術過往高不可攀的優越感，更質疑那些自我定位的前衛天才藝術家。

 

有輿論認為後現代藝術在文化工業中，更趨向於多樣和趣味。它追求喚起的歷史回憶，從解構到重構，打破藝術與生活的界線。從強調主觀感情到轉向客觀世界，主張藝術平民化，大量運用大眾傳播媒體，雖然，德國思想家班雅明曾認為因複製技術的複數性和大量生產，令藝術作品失去永恆性的膜拜價值，但從另一方面去看，也因藝術創作在商業市場下大量複製，使人更渴望欣賞原作，令手工藝與自然物的價值，再次受到重估與肯定。

 

今日，因資訊發達，藝術作品更廣為人知，因著知名度的大增而變得身價非凡，此一現象，也許是後現代藝術始料不及的結果，也顯出藝術千變萬化的一面。



符像塗鴉的天才 ------ 基斯哈林 ( Keith Haring )

再遇大師 - 7

 

 

《自畫像》                    

 

 

   

 製作壁畫              

 

 

 《無題》                    

 

 

 

 

《無題》

 

 

藝術起源學說有「遊戲衝動」的理論，並廣為世人接納。人類自原始時代「山洞畫」起始，至今天科技時代的「城市塗鴉」，皆能引證藝術創作源流的屬性，也彰顯其趣味進化；創意衝動的過程及自身的表現。孩童喜隨意壁上塗鴉，以自得其樂，成人閒來也愛胡亂塗抹，藉消磨時光，也說不定能引發出藝術能量。進入後現代主義時代，社會狀況瞬息萬變，一切價值重估，藝術概念的易轉，視覺書寫形式的更新，無論是膠著休止；抑或靜待蛻變，不明朗的發展狀態，叫人捉摸不定。處於不定型的世代裏，作為「城市景觀」的塗鴉藝術，不管作品或創作行為，也漸次成為新的理論，並自我架構了完整的體系。

 
美國自第二次世界大戰後，晉身為超級大國，於人文藝術方面，也一舉取代了法國，紐約一躍而起，成為繼巴黎後世界文化藝術中心；人文風景的大都會。由於不存歷史包袱，新興流派迭起，最著名的：前有抽象表現主義；後有普普潮流。除有領導地位，且人才輩出，影響深遠。
 

 

《無題》陶飾                

 

 

無題》陶飾

 

在歐美各國，是地面或地下，鐵道幾成主要運輸樞鈕。乘客流動的空間，不管是車站大堂或月台，甚或路軌旁的廣告燈箱、車廂內外與迴廊通道，都能欣賞不同塗鴉藝術家的作品。當中一位最富傳奇性、爭議性和創造性的年輕小伙子，異軍突起，從地下鐵道的街上塗鴉畫家，「神奇地」走進藝術殿堂，且廣受歐洲的藝術館垂青，實在匪異所思。這位天才的符像塗鴉的年青藝術家，正是早逝的天才基斯 ž 哈林，他的壁書性作品，不但是紐約的城市風景，也是當代文化的標記；更是美國八十年代前衛藝術的菁英。因著他的成功而來的鼓舞，也引動更多的壁書風潮，哈林在當代藝術史上，已被肯定為新普普主義的藝術大師。

 

 

《無題》                      

 

 

無題

 

哈林是街頭塗鴉畫家出身，走在街頭，隨處隨地在畫。他的作品也惹來極大爭議，美國社會大眾樂見其創作，但傳統評論卻不認同屬純藝術，直至畫家去世後，仍未改觀。有趣的是在歐洲，作品反受肯定，並公認他是傑出的藝術家。此外，在遠東地區，也廣卻受歡迎，甚多知音同道，因哈林曾習中國書法，作品也率性而為，擅用線條，並使用書寫性手法，一氣呵成及一揮即就，從不修改，故易生共鳴，並觸發好感和認同。

 

 

《無題》                     

 

《無題》雕塑     

       

 

《無題》公共藝術  

 

 

《無題》裝置藝術

 

 

若從流行文化及城市景觀的角度去看，哈林作品也極具代表性，除了到處塗鴉，也創作油畫、版畫、錄像藝術、雕塑、海報設計及人體塗繪。他最樂意作公眾服務，為大小不同的機構作壁畫：與不同藝術家合作；擺放具特色的大型個人雕塑作地標，因著其作品常置於公共空間作展示，亦可視作「公共藝術」。

 

 作為街頭塗鴉畫家，哈林卻與別不同，他是正統藝術科班出身。中學階段已投入專心習畫，且獲藝術比賽首獎，贏得師長與同學的讚賞。其後輾轉在匹茲堡藝術中心修讀版畫課程；爾後進入紐約視覺藝術學校學習，美術系主任對他的學習和表現，非常欣賞，由於在校也旁及傳播藝術，後來亦曾於畫廊工作，讓他學懂面對傳媒及商業藝術運作，對他日後的發展幫助很大。
 

試從西方藝術史去看，哈林的作品也屬開創先河。他的作畫方法實與傳統有異，他從不畫傳統風景人物樣式，也不受流派演變的影響，自成一格。畫面為平面性表現、直線、直率、簡單，童趣及符像表現。內容多是嬰兒、小狗、機械人、太空人、太空船、電視機及金字塔，人物都呈靈活躍動，構圖單純、內容簡單，乍看類似卡通。畫的四邊常愛加上邊框，構成自我的世界。由於慣作大壁畫，充滿生趣，加上色彩對比強烈，線性為主，圖像常作密集式呈現，造成強烈的視覺效果。
 

 

  爵士海報   

            

 

 

《人疊人》
 

哈林同樣是一個生活藝術家，他在藝術創作上，點子特別多，滿腦子都是古怪的念頭，他的畫除了畫在牆壁、畫紙或畫布外，任何可塗上色彩圖像的東西，皆可使用，如車身、木頭、娃娃床、購物袋、汗衫、屏風、滑板、人體、氫汽球、椅凳、任何紙張等。他用的畫筆也種類繁多，如一般畫筆、噴罐漆、刷子、可書寫線條的工具等。

 

由於性格喜與人接觸，即使成名後，也願為大眾服務，他到處跟人合作，最愛到社區、學校及圖書館製作壁畫，即使是名不見傳的地方。他愛與兒童一起創作，曾為慶祝國慶，共同創作以「勝利女神火炬像」的大型掛畫。此外，他也與普普藝術大師安迪沃荷(Andy Warhol)、李奇登斯坦(Roy Lichtenstein) 密切交往，並受到他們的鼓勵和影響，如《自畫像》中的紅色網點，靈感乃來向自李奇登斯坦的冗風格。他的海報設計也有安迪沃荷的影子。三人作品都以大眾流行文化樣式見稱，且可大量複製，正好切合市場需要，亦懂以商業手法行銷，特別是哈林的晝畫用色不多，常見為紅、黑、黃。靈感不由意象而生，而是透過不停動筆的過程中去製造想像，即興隨性而成。常見的不是符像；就是像迷宮的圖式，很有獨特的面貌，一看難忘，且易留印象，他精力過人，創作速度和產量同樣驚人，常辦大型展覽，開設普普商店，傾銷作品，也慷慨送畫給別人，讓他大量作品流通各地，此種創作行為及模式，特別適合節奏急促的社會，加上不斷在世界各地展示新作，此亦為他成功晉身為知名藝術家的原因。

 

 

 

  海報                  

 

《無題》

 

《無題》                       

 

 

《無題》
 

 「哈林式作品」，贏得世人的讚賞，並且創造了大量的觀眾，欣賞者不分男女老幼；也無地域限制。他代表了「後現代主義」的革新改變的精神，不受傳統桎梏，受高科技電腦文化及電視卡通世界的強烈影響，圖像重複出現，直滲心窩。作品也與生活及商品連上密切的關係，可作流行文化：無論是汗衫、手錶、文件夾、購物袋、牆紙、花布，只要印上哈林的創作圖像，必成暢銷商品，其作品遊走四方，各地城市都變成他的美術館------沒有圍牆的美術館，而大眾也作了活動展示板。哈林的作品走入尋常俗世，顛覆了整個西方傳統，導引藝術步下神聖的殿堂，實在比任何創作，更能溶入社會大眾文化。

 

自詡為天生藝術家的哈林，一生為藝術創作而活，並視創作為神聖的責任，作品務要將人與世界合而為一，其作品流露出人的基本需求：渴求真善美的價值。評論家肯定他的書寫性作品，認為乃是自然流露的表現，絕無矯飾作假。而其人形組合雕塑，也被詮釋內中充滿古神秘圖騰及未來世界的象徵圖像。因著他作品中的符像，都能生發能量與訊息，益發增添了其神祕符號意義及比喻功能，顫動心靈，引向冥想的天地。

 

哈林實在是早逝的天才，年僅三十二歲，作畫十年，正值創作能力旺盛；走向輝煌的時候，便因愛滋病辭世，唯其作品帶來人類的愛和美善，仍將繼續澆灌人間。

 



當美學遇上藝術哲學

「美是一個對象的符合目的性的形式，但感覺到這形式美時並不憑對於某一目的的表現。」

------ 德國哲學家 康德

人類的藝術，源於何時，眾說紛紜，故人類的審美活動的起源，亦難以考據。我們只許承認：在歷史的特定時空裏，當人類進入文明活動的時期，始能學懂對藝術進行審美活動，也就是說當藝術作品呈現在觀眾面前，欣賞性的思考、鑑賞性的行為，才會幔幕徐開，也揭示了審美活動的開展。

 

有審美活動，就有美的思考，思考過後，自有文字的記錄，留下大量珍貴的文獻。文獻的內容，呈現的皆為欣賞性的思考，以及藝術作為審美活動的思想。無論處在東方或西方，從歷史的進程去看，美學思想的發展，直至今天，已超越兩千多年。我國先秦的老莊思想與孔子學說，西方古希臘的亞理士多德及柏拉圖，早已開始進行美的論述，並對審美活動作深入的思考。

 

要深入探索藝術論述與審美活動，首要是需先行理解美學是什麼？於普羅大眾而言，簡單來看：藝術表現「美」，美學乃研究美的一門學科；對較具人文精神的知識人，當會更進一步，必然認識美學研究的對象設定為「審美活動」：包括審美本質、審美關係和審美經驗。

 

儘管藝術論述與審美活動，早已存在於生活當中，唯「美學」成為一門獨立的學科，其確立的歷史卻為時較晚：1759年，德國哲學家鮑姆嘉登，在他岀版《美學》一書中，把審美活動看作一種感性活動，進行專門的研究，始將「美學」確立成為一門新的學科。

 

爾後，德國哲學家康德，以現代哲學的立場，對審美活動的屬性再作明確的確定，指出它屬非功利的直觀感性活動，並帶有主體性與自由創造的精神，他也被公認為「西方美學」的奠基者。

 

對哲學家黑格爾來說，即若對使用「美學」一詞並無異議，唯他同時指出：其正確名稱應為「藝術哲學」或「美的藝術的哲學」。因美學研究的對象純為藝術，自然美並不屬心靈的創作，故美學應要排斥它，亦即排斥一般非藝術的審美活動，基於此一論點，「藝術哲學」一詞，更能確切顯岀美學的哲學轉向，展示以精神為基礎所建立的體系。

 

「藝術哲學」一詞，漸次取代了「美學」，成為普及及通用的名稱。藝術創作是以心靈、精神及觀念作為基礎的創意過程，與審美活動相同，兩者均屬非功利的直觀感受活動，除了創造美的形象外，再沒有任何功利的目的，故創作活動理應成為藝術哲學研究的主要對象。

 

由於藝術哲學是對照人生、生命、文化和存在的理論思考，故藝術哲學必須與藝術研究、藝術創作與欣賞產生密切的關係，這才算是完整的審美活動。一個人若能接受藝術哲學的教育，必能完善自身的人格修養，提升個人的人生境界；同時，也能完善自身的理論修養，提升個人的思維水平。藝術哲學是來自於藝術的人生的智慧，故其理論訓練，將讓我們更能豐富地、更深入地開啟藝術的境界。

 

燃燒生命 ------ 文生梵高 ( Vincent Van Gogh )

 

 

再遇大師 –6

 

 

 

 

多年前，曾作歐遊。回程因待「航班轉駁」，需勾留荷蘭，約有半天時間，跟團友外出觀光。旅遊車途經梵高及林布蘭藝術館，兩位皆屬荷蘭國寶級藝術大師，本想離隊下車前往參觀，唯怕人生路不熟，也擔心未及趕返機場，終未成行，平白錯失欣賞的良機，心中極為失落且感沮喪。

 

後期印象派大師梵高，是我唸大學時最為鍾情的藝術家，對其作品實在傾慕不已。斯時剛開始接觸廿世紀西方現代藝術，梵高獨特畫風的作品，不但讓我眼界大開，「震撼能量」更是持久不散。曾一段頗長的時間，我瘋狂地埋首研習他的作品；在創作上也曾模仿其風格。後經同窗推介著名詩人余光中譯作《梵高傳》，還有另一作家雨云翻譯《梵高書簡全集》，厚厚兩冊，讀畢竟至熱淚盈眶；著實感動不已。梵高作為一個有血有淚的畫家，為了愛與創作，竟致陷入痛苦及瘋狂的旋渦中，悲慘的一生，也引證了藝術家無奈且無法改變的「宿命論」。

 

 

梵高短暫的一生，只活了三十七個年頭，且命運殊蹇，一生坎坷，充滿挫敗，除藝術創作外，幾是一事無成。生前作品乏人問津。在他僅有的十年繪畫生涯中，作品數以萬幅計，實在很難有藝術同道如他般執著，且貫徹始終地把追求藝術，作為生命中不可分割的重要部份。他曾因過度投入創作而瘋狂，即使多次因精神病入院治療，仍堅持作畫，對藝術不離不棄。因著這一切因由，終能成就了他作為傑出藝術家的榮耀。

                             

生於宗教家庭的梵高，父為牧師，故有虔誠的宗教信仰。在選擇藝術之先，曾於礦區擔任牧師，後因過度激情，不為接納，並在感情失落雙重打擊下，令他毅然投入孤獨的藝術之路。一八八零年，他下定決心，向著職業畫家的目標出發。早期作品，色調陰沉；技巧仍未成熟；多以塗沫手法；欠個人特色。由於出生於鄉野，對田園畫家米勒的作品，尤為傾慕，他深受米勒畫作及其社會主義思想的影響，開始畫鄉野勞動的貧農，還摹仿其名作「播種者」，盡顯其悲天憫人的性格。

 

                            

                                       

 

「寫生」是梵高創作的泉源，往後的油畫創作，甚多素材來自寫生畫稿。從其「書簡」中記述：他常到田野，最愛去灌木叢生的荒野。往往早出晚歸；不分晝夜，瘋狂地作畫，彷似燃燒的火焰。一次畫晚了，因照明不足，竟將蠟燭置於草帽上，繼續作畫，旁人投以奇異的眼光，亦置之不理，加上患有精神病，「瘋子畫家」之名，乃不脛而走！

                          

 

                              

 

 

梵高的寫生，喜使用鉛筆、炭筆、鋼筆及蘆葦筆作素描或速寫，並配上個人感情的傾注；用心去描繪憾動人心的景色，原野的氣息也沁入畫中。他也畫周遭的人物，反映人道關懷的一面，顯示了心靈的契合。他的素描有獨特的用筆，「線條」不但融入情感，精妙之處：還包括了「點」和「面」的意義，可作勾勒輪廓；也可作肌理表現及光色的應用。透過對「線條」的掌握，他不斷作出大膽的實驗，在後期創作裏，更大量使用不同樣式的線條，造成律動、扭曲及旋轉的強烈視覺效果。

                             

 

                          

                               

油畫是他的主力作品，也最能顯現其獨特風格，亦最為世人欣賞。由於他並非學院派出身，學畫都是流浪式的：他先在家鄉透過書本作自學；後來再到法國遊學，認識了當時得令的印象派畫家，也受其風格的影響，並因法國南部明媚陽光的滋潤，使他作品的色彩也變得艷麗狂放。但也另有說法：使他作品色彩綻放的原因，乃受東來的日本「浮世繪」版畫影響，當時甚多印象派畫家，對這些東方藝術，都趨之若騖；驚歎萬分。梵高也曾使用油彩，認真臨摹這種東方情調，且以原色入畫，在高彩度及明度間徜徉；激情與冷中求平衡。有趣的是，在七十年代，日本人反過來用上巨款購買他的作品「向日葵」，且甚表激賞，知音亦眾，大眾對他作出高度評價。

 

                                               

 

                                        

 

綜觀他一生的作品，皆從生活中尋覓題材，盡顯其悲劇性的一面，其畫就如他那充滿戲劇性的一生：是精彩絕倫；也感動人心，。要認識他，可先從「自畫像」作品開始：如荷蘭另一位大師林布蘭一樣，其持續不斷的自畫像，正載錄了一生的故事，梵谷特立獨行；孤芳自賞；自憐自大及激情燃燒的本性，於作品中盡覽無遺，他渴望被愛，這正是一個坎坷藝術家的自我寫照，在畫中讓我們看到這是一位充滿血淚的畫家！

 

 

對周遭人物，梵高顯示了高度的人道關懷：無論是生活無依者、平凡人、受苦民眾、體力勞動者和鄰舍，都成了他畫中的主角。作品流露出「感同身受」的關注，將悲慘的人生，以悲天憫人的情懷，配上起伏不定的肌理及陰鬱的色調，引證人生的苦難和哀愁。「吃薯者」可說是他早期「黑色時期」的代表作。對梵高來說，藝術源自生活，畫中記錄了他的生活狀況：他一貧如洗；家徒四壁；獨居斗室，在借來的閣樓中作畫，靠弟弟接濟維持生計。個人曾於「奧塞美術館」看到他的油畫「寢室」原作，顯明了他在生活拮据的一面。但即使生活迫人，卻絲毫不減他追求藝術的決心，這也是最值得敬佩之處。

 

                       

 

 

                         

梵高的生活與情緒，常是同樣起伏不定。時而灰心失落；時而平靜安和，有些作品充滿盼望與生命喜悅。從他的「花卉植物畫」作品便可看到，如最著名的「向日葵」，畫面滿佈燦爛金黃色調；筆觸帶生命力。由於沒錢聘用模特兒，除了畫自畫像外，便只能畫上大量這類作品：所用色彩皆為濃烈艷麗，且具對比效果，將植物作色彩的化身。用筆也輕盈有致，也使用不同的筆法作配合，從這些作品可看到他平靜有規律的一面。

 

 

 

大自然也給梵高提供大量作畫的素材，他的代表作，以風景畫居多。與「印象派」畫家忠實反映光影和真實客觀的重現，梵高所採用的手法，實截然不同。他透過主觀的感受，直接將大自然中的形狀和色彩，賦與類同的特質，以減少寫實感，形成對自然的再造。他的藝術好友高更，作品與他同出一轍。藝評家將兩人與塞尚合稱「後期印象主義」三大師，推崇彼等成就超越「印象主義」及「新印象主義」，開啟了廿世紀「現代藝術」。其中梵高的作品，更改變了世人對風景畫的看法，畫中的人味與情味都藏於景物內裏，物我兩忘。

                                          

 

                        

 

 

常人把梵高看作「瘋子畫家」，實在是最大誤解。他率性自然；燃燒生命；傾情都灌注作品中：他的畫宣洩情緒，但佈局有致，並不混亂失序；他的筆觸扭曲旋轉，但色彩與造型統一；他以彩筆擊碰畫布，但肌理豐富，激情中又見平靜。看他的作品，常予人痛快淋漓的感覺，若以「情境式欣賞法」來作細味，當可感知其在作品中，如何透過平凡的事物，得以彰顯活力和生命能量。

                                       

 

梵高以一顆單純的心、赤子的情懷、堅執的態度，努力把他對人生與自然的熱愛，燃燒在每幅作品中，即使是平凡的東西，如一張椅子、一雙鞋，都傾注了他無比的愛心和熱情，生活和生命都在他的作品中顯示意義，也綻放光芒，對照梵高窮其一生追求藝術的歷程，這不單是上帝的恩惠，也反映了上帝的榮美！