燃燒生命 ------ 文生梵高 ( Vincent Van Gogh )

 

 

再遇大師 –6

 

 

 

 

多年前，曾作歐遊。回程因待「航班轉駁」，需勾留荷蘭，約有半天時間，跟團友外出觀光。旅遊車途經梵高及林布蘭藝術館，兩位皆屬荷蘭國寶級藝術大師，本想離隊下車前往參觀，唯怕人生路不熟，也擔心未及趕返機場，終未成行，平白錯失欣賞的良機，心中極為失落且感沮喪。

 

後期印象派大師梵高，是我唸大學時最為鍾情的藝術家，對其作品實在傾慕不已。斯時剛開始接觸廿世紀西方現代藝術，梵高獨特畫風的作品，不但讓我眼界大開，「震撼能量」更是持久不散。曾一段頗長的時間，我瘋狂地埋首研習他的作品；在創作上也曾模仿其風格。後經同窗推介著名詩人余光中譯作《梵高傳》，還有另一作家雨云翻譯《梵高書簡全集》，厚厚兩冊，讀畢竟至熱淚盈眶；著實感動不已。梵高作為一個有血有淚的畫家，為了愛與創作，竟致陷入痛苦及瘋狂的旋渦中，悲慘的一生，也引證了藝術家無奈且無法改變的「宿命論」。

 

 

梵高短暫的一生，只活了三十七個年頭，且命運殊蹇，一生坎坷，充滿挫敗，除藝術創作外，幾是一事無成。生前作品乏人問津。在他僅有的十年繪畫生涯中，作品數以萬幅計，實在很難有藝術同道如他般執著，且貫徹始終地把追求藝術，作為生命中不可分割的重要部份。他曾因過度投入創作而瘋狂，即使多次因精神病入院治療，仍堅持作畫，對藝術不離不棄。因著這一切因由，終能成就了他作為傑出藝術家的榮耀。

                             

生於宗教家庭的梵高，父為牧師，故有虔誠的宗教信仰。在選擇藝術之先，曾於礦區擔任牧師，後因過度激情，不為接納，並在感情失落雙重打擊下，令他毅然投入孤獨的藝術之路。一八八零年，他下定決心，向著職業畫家的目標出發。早期作品，色調陰沉；技巧仍未成熟；多以塗沫手法；欠個人特色。由於出生於鄉野，對田園畫家米勒的作品，尤為傾慕，他深受米勒畫作及其社會主義思想的影響，開始畫鄉野勞動的貧農，還摹仿其名作「播種者」，盡顯其悲天憫人的性格。

 

                            

                                       

 

「寫生」是梵高創作的泉源，往後的油畫創作，甚多素材來自寫生畫稿。從其「書簡」中記述：他常到田野，最愛去灌木叢生的荒野。往往早出晚歸；不分晝夜，瘋狂地作畫，彷似燃燒的火焰。一次畫晚了，因照明不足，竟將蠟燭置於草帽上，繼續作畫，旁人投以奇異的眼光，亦置之不理，加上患有精神病，「瘋子畫家」之名，乃不脛而走！

                          

 

                              

 

 

梵高的寫生，喜使用鉛筆、炭筆、鋼筆及蘆葦筆作素描或速寫，並配上個人感情的傾注；用心去描繪憾動人心的景色，原野的氣息也沁入畫中。他也畫周遭的人物，反映人道關懷的一面，顯示了心靈的契合。他的素描有獨特的用筆，「線條」不但融入情感，精妙之處：還包括了「點」和「面」的意義，可作勾勒輪廓；也可作肌理表現及光色的應用。透過對「線條」的掌握，他不斷作出大膽的實驗，在後期創作裏，更大量使用不同樣式的線條，造成律動、扭曲及旋轉的強烈視覺效果。

                             

 

                          

                               

油畫是他的主力作品，也最能顯現其獨特風格，亦最為世人欣賞。由於他並非學院派出身，學畫都是流浪式的：他先在家鄉透過書本作自學；後來再到法國遊學，認識了當時得令的印象派畫家，也受其風格的影響，並因法國南部明媚陽光的滋潤，使他作品的色彩也變得艷麗狂放。但也另有說法：使他作品色彩綻放的原因，乃受東來的日本「浮世繪」版畫影響，當時甚多印象派畫家，對這些東方藝術，都趨之若騖；驚歎萬分。梵高也曾使用油彩，認真臨摹這種東方情調，且以原色入畫，在高彩度及明度間徜徉；激情與冷中求平衡。有趣的是，在七十年代，日本人反過來用上巨款購買他的作品「向日葵」，且甚表激賞，知音亦眾，大眾對他作出高度評價。

 

                                               

 

                                        

 

綜觀他一生的作品，皆從生活中尋覓題材，盡顯其悲劇性的一面，其畫就如他那充滿戲劇性的一生：是精彩絕倫；也感動人心，。要認識他，可先從「自畫像」作品開始：如荷蘭另一位大師林布蘭一樣，其持續不斷的自畫像，正載錄了一生的故事，梵谷特立獨行；孤芳自賞；自憐自大及激情燃燒的本性，於作品中盡覽無遺，他渴望被愛，這正是一個坎坷藝術家的自我寫照，在畫中讓我們看到這是一位充滿血淚的畫家！

 

 

對周遭人物，梵高顯示了高度的人道關懷：無論是生活無依者、平凡人、受苦民眾、體力勞動者和鄰舍，都成了他畫中的主角。作品流露出「感同身受」的關注，將悲慘的人生，以悲天憫人的情懷，配上起伏不定的肌理及陰鬱的色調，引證人生的苦難和哀愁。「吃薯者」可說是他早期「黑色時期」的代表作。對梵高來說，藝術源自生活，畫中記錄了他的生活狀況：他一貧如洗；家徒四壁；獨居斗室，在借來的閣樓中作畫，靠弟弟接濟維持生計。個人曾於「奧塞美術館」看到他的油畫「寢室」原作，顯明了他在生活拮据的一面。但即使生活迫人，卻絲毫不減他追求藝術的決心，這也是最值得敬佩之處。

 

                       

 

 

                         

梵高的生活與情緒，常是同樣起伏不定。時而灰心失落；時而平靜安和，有些作品充滿盼望與生命喜悅。從他的「花卉植物畫」作品便可看到，如最著名的「向日葵」，畫面滿佈燦爛金黃色調；筆觸帶生命力。由於沒錢聘用模特兒，除了畫自畫像外，便只能畫上大量這類作品：所用色彩皆為濃烈艷麗，且具對比效果，將植物作色彩的化身。用筆也輕盈有致，也使用不同的筆法作配合，從這些作品可看到他平靜有規律的一面。

 

 

 

大自然也給梵高提供大量作畫的素材，他的代表作，以風景畫居多。與「印象派」畫家忠實反映光影和真實客觀的重現，梵高所採用的手法，實截然不同。他透過主觀的感受，直接將大自然中的形狀和色彩，賦與類同的特質，以減少寫實感，形成對自然的再造。他的藝術好友高更，作品與他同出一轍。藝評家將兩人與塞尚合稱「後期印象主義」三大師，推崇彼等成就超越「印象主義」及「新印象主義」，開啟了廿世紀「現代藝術」。其中梵高的作品，更改變了世人對風景畫的看法，畫中的人味與情味都藏於景物內裏，物我兩忘。

                                          

 

                        

 

 

常人把梵高看作「瘋子畫家」，實在是最大誤解。他率性自然；燃燒生命；傾情都灌注作品中：他的畫宣洩情緒，但佈局有致，並不混亂失序；他的筆觸扭曲旋轉，但色彩與造型統一；他以彩筆擊碰畫布，但肌理豐富，激情中又見平靜。看他的作品，常予人痛快淋漓的感覺，若以「情境式欣賞法」來作細味，當可感知其在作品中，如何透過平凡的事物，得以彰顯活力和生命能量。

                                       

 

梵高以一顆單純的心、赤子的情懷、堅執的態度，努力把他對人生與自然的熱愛，燃燒在每幅作品中，即使是平凡的東西，如一張椅子、一雙鞋，都傾注了他無比的愛心和熱情，生活和生命都在他的作品中顯示意義，也綻放光芒，對照梵高窮其一生追求藝術的歷程，這不單是上帝的恩惠，也反映了上帝的榮美！

淺析藝術美

「藝術的必要性是由於現實有缺陷，藝術美的職責就在於它須把生命的現象，特別是把心靈的生氣灌注現象，按照它們的自由性，表現於外在的事物，同時使這外表的事物符合它的概念。」

------德國美學家 黑格爾

 

「藝術美」概括了所有審美的屬性與形式，意指藝術作品中所具有的美：如繪畫美、雕塑美、音樂美、舞蹈美、戲劇美及文學美......

 

藝術家根據自己的審美意識，通過物料媒介，從社會與人生中取材，創造出具有鮮明個性的藝術形象，並締造意境的美。它是再現與表現的統一，也是內容與形式的統一，更是真和善的統一。

 

藝術源於生活，人類的社會情狀、自然界的一切，皆屬藝術的源泉。雖則藝術源於生活，卻又高於生活：它具有真實、形象、典型、完整及情感等特質，故藝術作品作為美感的載體，最能體現美，它是人的主要審美對象、美感的主要來源。

 

藝術美與自然美並不一樣，它高於自然美，黑格爾認為藝術美是從心靈裡產生和再生而來的，他認為藝術美是「美的充分的體現」，雖然美的理念也在於自然，但美的本性最宜置於藝術中，即使自然美的意態如何動人，若與藝術美相比，始終是不可超越的。

 

根據黑格爾的《美學》所載：「藝術美是美充分的體現」，說明了美的理想在於藝術美，雖則藝術創作從生活再現而來，但經歷藝術家的演繹過程後，藝術作品便成為美的最佳的載體。看拉斐爾所繪的聖母像，與世俗中的慈母既相似又相異。在聖母畫像中所呈現的是女性之美的完滿體現，和母愛之善的理想載負，這種直接進入靈魂深處的手法，是現實中很難感受得到的。

 

當然，藝術的真實不在於摹仿自然，它是從自然形象中抽岀美的理念，藝術的形象需要透現出對象的「內在性」。藝術表現心靈，即表現了心靈中的美的理念。它借用了感性的形式，直接取材於「觀念化」後的自然。藝術美自心靈的廣化和深化，把平凡的事物理念化，將無意義的部份捨棄，只存留內中的意蘊，提昇其旨趣與意義，從而顯出蓬勃的生機。

 

藝術美給人審美形式的享受，它能反映現實，極具激勵與教化的功能：看英雄的藝術化塑像，通過藝術美的內容，令人肅然起敬，積極地影響人的思想感情；聽動人的樂章，通過形式與內容作美的呈現，令人感受精神的愉悅、心靈的滿足，提昇文化層次；同時藝術美對自然美的觀照與運用，促進觀賞者運用藝術的眼光對待自然。在藝術創作和欣賞過程中，藝術家與觀眾同步地提昇審美能力，令藝術得以作進一步的發展。

 

總括來說：藝術美作為藝術的審美形式，它從藝術創造而來，必然顯示藝術家的審美個性，並滲透時代的審美理想和觀念。藝術美具有巨大的魅力，以美的形象，感染世人，寓教於樂、動之以情，使人的心靈得著美的享受與教化，激發人們去創造世界，欣賞一切的事物。

現代藝術之父 ------ 保羅 塞尚 ( Paul Cezanne )

再遇大師 –5

 

 

 

初看塞尚的作品，乃於大學唸藝術的首年。實在來說，對現代藝術仍是門外漢，亦是初聞「現代藝術之父」的大名。其時資訊並不發達，印刷品亦匱乏，能在藝術書中看到的資料，多屬文字，圖片甚少，且黑白單色居多。乍看塞尚畫作，並不討好，以直觀視覺來看，一點也不美，且造形呈少許笨拙感，厚重的色調，全不像印象派處理光色來得灑脫輕巧。這不單是剛進現代藝術堂奧者的疑惑，事實上，歷史告訴我們，在與塞尚同期的觀眾也有同感，藝評家也不予好評，難怪他曾數度落選沙龍。
 

 

 

     自縊者之屋 ( 早期作品 )

 

 

 

     玩紙牌者
 

看到塞尚的原畫真蹟，應為十多年前，當時有緣到法國旅遊，乃專程到奧塞美術館觀畫去。是次參觀，對「印象主義」巨匠留下深刻的印象，特別是「後期印象派」三位大師的作品，更屬「震撼性」的感受。當中尤以塞尚的作品，讓我擦亮雙目，茅塞頓開，過往的錯誤見解，如霧中看花，未窺全貌，也無法擷取精粹。看著原作，始覺其偉大精妙之處，並非印刷品可作比擬。個人學藝至今，一直埋首於「現代藝術」的研究和創作，對塞尚的理論也略知一二，其畫作自有深意，屬實踐理論的成果，實非常人所能理解和欣賞，若以中國畫論，可歸入「逸品」列中。至2005年也曾在香港藝術館「法國印象派」繪畫珍品展中，再度親炙塞尚原作，且有充裕時間仔細咀嚼，深究其中，心神領會，畫中所呈現的：不論是色塊、明暗、筆觸及肌理，皆達到和諧美妙，充滿韻律節奏，渾然一體。「現代藝術之父」的盛名，當之無愧，實至名歸。

 

 

    自畫像-1      
 

 

                             

自畫像-2    

          

 

    塞尚夫人像

塞尚在世時，作品並不受到重視，世人對他的藝術探索亦不理解，藝術同儕先後名成利就，他郤默默無聞，孤軍作戰，最終令他走上與世隔絕的創作道路。他隱遁在家鄉的小鎮，除外出寫生外，常深居簡出，安靜作畫，從實踐中引證理論，雖然他曾受畢沙羅影響，曾創作帶有印象主義的風景畫，也經歷浪漫主義激情的洗禮，但他堅持走一條與所有畫家迥然不同的道路。他不滿印象主義只單純注重瞬間的光影色彩，忽視繪畫造形及結構。他認為應摒棄對視覺純粹性的進求，也需遠離文學的表現。從畫中的結構形式深入探討。

塞尚在藝術上的探索實在相當偉大，他擁有堅毅、持久的創作能量。他的作品往往是一而再地重畫，不斷修改和完善。經過多年的苦思和創作不倦，塞尚發展了一套新理論和表現手法，他說了一句千古傳誦名言：「自然的一切，皆可由圓形、圓錐形、圓筒形表現出來。」無論所畫的題材是什麼，他總引用他的理論，他不欲再現自然，他要的是「再造」，進入物象永恆不變的本質。為了畫中能呈現和諧、統一及變化，甚而可以改變視點、使用扭曲、變形或簡化的手法，這種大膽創新打破傳統的手法，對爾後新藝術發展，實有深遠的影響！如野獸派馬蒂斯最受他的色彩影響；畢加索擷取他的構成概念，創立了立體派，至抽象派也無一不受他影響，這就是塞尚被視作「藝術祭酒」的原因。

題材方面的選擇，塞尚並不太重視。由於他獨居離群，肖像畫除自畫像外，便是家人；寫生有靜物及風景；他也以群像作探索題材。但不管畫些什，作畫的觀念都是同出一轍：盡量減少對主題的關注，不重視寫實的精確，簡化形體，追求視覺元素的和諧，在意畫面的整體關係，加強體積感，朝「構成」的方向走去。為了令畫面能有層次感，也不因追求體積而窒息了空間，塞尚用上了明亮色彩，並使用塊狀筆觸及小平面的結合手法，讓「律動感」營造活潑起伏的感覺。

 

 

    靜物畫 –1

 

   

靜物畫 -2

 

試看他的作品，「人物畫」普遍缺乏常人追求的感性魅力，只單一強調形象的結構。「靜物畫」表現了一貫結實的圓形、圓柱形和圓錐形，著重其厚重的體積感。他為了深入研究，不斷反覆重畫，竟至水果凋壞，而畫作仍未完成。「浴女畫」系列，乃塞尚不斷探索的畫作。最初尚具有自然、活潑的特色，最終郤是愈來愈傾向秩序和抽象。而最有名的「聖維克多山」系列，更是他畢生力作，見証他的藝術人生。他在孤獨中長年累月面對這座聖山，不斷重複，也畫了多幅，把天與地，山與屋都畫成了相近的色彩；選用了同樣的筆觸，賦予類似的造形，從「見山是山」至「見山不是山」，終至回歸至「見山是山」的境界。這是他心中的風景，不帶敘事說明，只需遵守個人一套特定的手法，美感並非透過再現自然而來，而是由畫家創造出來的。

 

 

      靜物畫 –3 

 

 

     沐浴圖

                    

 

   浴女圖 –1 

 

 

 

    浴女圖 -2

 

 

     浴女圖 –3 

 

 

                       

   聖維克多山 -1

 

 

                   
  聖維克多山 –2         

 

    聖維克多山 –3

塞尚像繪畫天地間孤獨的「藝行者」，在精神和藝術領域中，一生都受盡折磨。他的成就來自對藝術的執著和追求。他曾熱衷參與社群及沙龍，但招來的郤是對他才能的貶壓，甚而好友名作家左拉，也為文抨擊他，令他既失自信心，但又驕傲自大，自詡為最強的；比一切活著的畫家來得強。觀乎他的藝術成就，此言也不覺浮誇，他不僅是「後期印象派」的代表人物，更是整個西方傳統藝術的終結者，他徹底地推翻了舊有的觀念，不.再崇尚外在的存在，逕自進入深層結構的探索中，這一切不但動搖了傳統的美學觀念，更影響了近百年來的現代藝術。直至今天，自現代藝術至後現代藝術，無不受到他的啟示反影響，如於70年代以畫馬著稱的美國女藝術家蘇姍羅森伯格，畫作滿塗筆觸，「圖」與「地」都混和一起。且後現代藝術強調觀念的注入，不講究繪畫技巧，這都彰顯了塞尚的影力。藝術史家有以他作分水嶺人物，用塞尚前及塞尚後，分別藝術家的類別，足見其重要性。

 

   馬 ( 蘇姍羅森伯格 )

 

 

現代藝術作品

 

塞尚於1906年與世長辭，彌留之際，仍手持畫筆，在空中盤旋，似有宏願未竟之意，他應感知自己在繪畫上的貢獻，但仍不甘願放棄持續的追求和實驗，他一生忙於和傳統對抗；忙於作新的啟示；也忙於創作更多作品。他的孤獨，正顯示藝術需要沉澱，恆久的忍耐，才可另闢蹊徑，開創先河，藝術家要獨立、自信和自尊，在欣賞塞尚作品的同時，也要好好學習他對藝術專注的態度。大師風範，誰可匹敵！

圖像語言的書寫

「我從不讀書，我只看圖片。」

------ 20世紀普普藝術大師 安迪華荷

 

根據《創世記》所載：上帝在渾沌一片的宇宙裏開天闢地，萬物皆自 祂的創造工程而來。但在萬物之中，只有人類擁有「創造」的能力，並在進化過程中，不斷自我完善與進步。

 

若從人類的歷史及藝術史中作觀察，人類的進步，實在遠勝於世上所有的動物。人是「萬物之靈」，究其成因，乃人能善用雙手，經由感覺的傳遞，從而創造岀甚多的東西。

 

著名藝術家吳冠中曾說：「用尖硬的石頭在山洞岩石上作畫的史前人，是最早的藝術家。」人的雙手擁有「握著」的能力，也懂用工具刻刮或書寫，過程中，留下痕跡的記錄，此舉不但標誌了人與禽獸之別，也顯出具「創造力」的人的價值。

 

人的雙手是進化的重要工具，它能幹活，也能書寫及描畫，在運筆的動作中，記錄了甚多複雜的線條及造型，開啟了人類歷史的記敘。其實早在「史前時代」，即使文字仍未出現，唯人類已學懂在工藝品的表面，加入紋理裝飾，留下大量圖像書寫的史料。

 

生活中的影像及圖像俯拾皆是、尋常慣見。在藝術創作中，除了必須處理大量圖像的畫家外，還有文字作家，在其寫作敘事過程中，腦海裏亦需不斷切換圖像，因文本的內容，乃來自圖庫累積的結果。

 

圖文的配置，足以豐富作品的演繹，因圖像的訓練，屬書寫的重要前提。若圖像匱乏，必會導致敘事的不足，人對圖像的解讀與描述，是把想法轉化為文字的過程。當創作的書寫態度形成，藝術的種子自會孕育。

 

在當代藝術中，概念與思維的論述，是文字用語的書寫。圖像的演繹，則屬線形的書寫，但此非單指傳統的筆法，也涵蓋了所有描繪的技巧。藝術家在線形結構的遊走中，大膽地進行探索與冒險，建構成穿越複合的視覺語言。線條、筆觸與造型，也塑造了空間的介面，讓即將消失的時間凝固起來，成為作品的載體。

 

藝術家以線形的表達來創造感知的想像，表達思想與書寫空間，線條的造型，也被視作藝術作品中不可分割的構成元素。在運用工具物料的同時，配合意念與技巧的表現，將可產生無盡的變化；主題的探索，亦能衍生視覺的生機，建立內在的邏輯與秩序。

 

如文首所言：早在原始時代，人類已善用線形書寫的力量，為考古學留下大量考據的圖像資料，這些樸實直接的生活記錄，也流露著純真的感情，如小孩子的塗鴉一樣，充滿赤子的情懷，即若造型稚拙，卻牽引出形的變化與趣味。

 

由於藝術家在思想及個性的差異，所處的時代情境不一，在書寫過程中，圖像中的視覺語言，也反映出截然不同的線形詞彙。對時代的回應、心靈的渴求，以及藝術的探索，藝術家自有個別的詮釋，在不斷經驗的積累與觀念的擴張下，線條的迥旋，亦賦予造型豐富的變化。線形書寫不但是藝術創作亟需面對的課題，更是藝術家真實的心靈寫照。

 

藝術作品中，透過賞析繪畫的筆觸與動勢、素描的如線隨形、水墨的筆情墨趣，以及版畫的樸拙刻劃，在在傳達了複雜的情感語境。線形書寫也體現了藝術家實存的感覺，呈放清晰的創作意念與發展脈胳，滋生美感的泉源，讓美的意識，進駐於觀者的心田。