抽象藝術與抽象之美

 

「在一個遠離自然的畫面上，是有可能找到真實。記憶之久遠的回想，會製造出圖像的關聯。」------ 現代藝術大師 保羅克利

 

對慣看風景畫或肖像畫的普羅大眾來說，面對看不懂的前衛藝術：缺乏形像，或與表象世界無關的藝術作品，必然難以欣賞與理解，更且易於引致對藝術本質的質疑，甚或乾脆將此類作品統稱為「抽象藝術」，這其實是一種誤解！

與再現世界的具象藝術相比，若要欣賞只作形、色、線表現的抽象藝術，無疑是對觀眾的一種挑戰，也從中引出困惑的問題：這類藝術究竟是什麼？它是真正的藝術、或只是徒具形式的裝飾品？

依據西方藝術文獻，最為一致的看法是：「抽象藝術」的出現，乃為19世紀至20世紀初多種藝術革新運動的必然結果。1913年，俄國畫家康定斯基畫出世上第一幅名為「無題」的抽象畫，並描述畫裏彷彿有一束靈光在閃耀著。這絕妙的靈光，正好揭開了「抽象藝術」的幔幕。

就推陳出新的美國抽象表現主義來說，如波洛克、杜庫寧的「動勢繪畫」，應是最能表現運動感覺與內在力量。細看存留於畫面上的組合：揮灑的技法、流動的動勢，奇妙的造形，虛實的空間等，皆充滿偶然性與機緣性，令人讚歎不己！

評論家有將「抽象藝術」劃分為理性抽象與激情抽象兩大類別，兩者皆具音樂性與和諧感。康定斯基的作品是最佳說明，因畫中正是結合音樂與抽象藝術的典範。與保羅克利的作品類比，彼等皆愛把物像幾何化，唯保羅克利所用纖幼的線條，遊走於畫作中，出神入化，時為創造圖像、時作形體裝飾，極具高度的音樂性，也充滿了中國人所強調的和諧之美。

蒙德里安對線條的運用，也是不遑多讓的。他的抽象歷程與康定斯基、保羅克利一樣，從自然及簡化中發展而來。他從繪畫樹枝得到靈感，以線段的長短與間距的疏密，展現了節奏的和諧感與規律的秩序性。

康定斯基、保羅克利及蒙德里安等三位大師的抽象畫作，不但呈現出「抽象之美」，更開拓了新天新地，把藝術與人類的感官連繫起來。看畫中的形、色、線的運用，千變萬化，明快活潑、盈彩多姿，充滿了純粹的激情。

 

 

 

 

 

 

若從中國畫史來看，早從彩陶時代至春秋時代，繪畫乃長期處於抽象畫時期，「抽象之美」更是美感的基礎。彩陶、黑陶、白陶，銅器、玉器等，除造形古樸獨特，表面的紋理、圖案、形狀及鏤孔等裝飾，雖從自然中擷取而來，卻大量使用視覺元素中點線面形的抽象結構，令作品呈現出「抽象之美」。

中國藝術，強調「書畫同源」，書法藝術，遠在魏晉時期，已成最早的藝術形式，其地位更超越繪畫藝術。在眾多書體中，草書是最為奔放自由，且變化無窮的。看張旭、懷素的狂草：奔放雄奇、逸勢奇狀，觀者皆趨之若鶩，即使未辦文意，只能欣賞如行雲流水般的表現，唯意趣之美，兼具遊戲性，足供作為「抽象藝術」欣賞矣！

蜚聲國際的旅法畫家趙無極，早期從表現主義畫家保羅克利的作品中，取得啟示，一躍而進入抽象的世界，並以中國書法形式的筆觸，引入山水畫中的「氣韻生動」，恣意地在畫面中揮灑，展示出藝術家獨特的繪畫語言。

老子說「大象無形」；又道「天下皆知美之為美，斯惡矣」；更論「五色令人目盲」，正好否定世俗之美，求敞開寬敞的心靈。其實，「抽象藝術」重在表現最高的藝術精神，亦即莊子所說之「道」，也是對柔靜高深之美的精神的追求。他又提示世人「天地有大美而不言」，教我們超越物欲感官的快感，追尋本質及根源的美感，亦即享受自由奔放的「抽象之美」。

 德國哲學家叔本華認為現實裏包括意志與表象兩個面向，唯有透過體驗藝術，才能看到超乎象外的「意志的世界」，因它是藏在一切存在之物的背後，此說肯定了藝術的核心的地位，也引證了「抽象藝術」與「抽象之美」的重要性。

追求心靈的精神享受，尋找美感的精確極致，釋放感情的無形枷鎖，必須丟棄俗世觀念與價值取向，故此，不論觀眾喜歡與否，「抽象藝術」的創作，極具價值：它可以賞心悅目；也可以傳情達意；更可以啟迪思維，故欣賞作品的過程是美的觀照，屬主觀的知覺活動，把自身人格徹底藝術化，培育出非具象的美感。