當代藝術的省思

「能賺錢的生意，就是最高級的藝術。」

------ 安廸沃荷

於當代藝術而言，如普普藝術大師安廸沃荷所說的名句，藝術作品等同賺錢的商業成品、高級消費商品，但從另一方面細看，當代藝術深受「後現代主義」思潮的影響，強調「價值重估」，其哲學性深邃的論述、個人觀念的奇特面相，與前者卻又呈現了兩極化的分野！

「當代藝術」秉持的觀念是：「新即是美。」基於此點，其中的作品與行為，實在大大顛覆了傳統美學的意義和取向；且往往作品的拍賣價目，竟是天價數字，著實教人摸不著頭腦，加上評論家的解構文字，詰屈聱牙，讓人不明藝術作品的定位何在？如同「國王的新衣」，眾說紛紜，難成定論！

藝術的大膽創新，可上溯至1917年，當年達達主義藝術家杜象，以「現成物」的觀念和手法，用現成物「便溺器」創作了一件雕塑作品，作品定名：「泉」，全然顛覆了藝術的傳統，也直接賞以數世紀以來的傳統觀念者一記耳光。今日藝術變得千奇百怪，「這是藝術嗎？」是藝術家說了就算、或進入畫廊展示的，便成「藝術品」，這真讓人費煞思量。

試看下面引例：1961年意大利藝術家曼佐尼，用個人的糞便，以罐頭裝置方式，創作了定名為《藝術家的大便》的限量版藝術作品，在畫廊展出，更以黃金本位定出作品的價目，以此對藝術市場本質及畫評之荒謬，提出了尖銳而幽默的回應。1972年美國藝術家安廸沃荷，把名人的肖像，引進於作品中，逐漸發展出了他後期的絲網版畫風格與主題。並雇用了幾個助手，以工廠作業形式製作大量成品，將藝術變成消費的商品，最後又變成天價的拍賣作品。

世界是在迅息萬變，藝術觀念何嘗不是一樣？歷史上，藝術創作不論是為了彰顯上帝的話語、或揭示歷史的時刻、或炫耀文化或財富、或滿足精神與心靈，至供人欣賞，皆呈現了不同的美學觀照與服務的對像。藝術與非藝術的界定壁壘分明。

進入20世紀，西方藝術出現新潮的革命。德國哲學家尼采，公開宣佈「上帝已死」的訊息，提出「價值重估」的觀念，藝術也同時被宣佈死亡，帶出了藝術被異化的嚴重後果，達達主義藝術家提出以「現成物」的觀念創作藝術；超現實主義提出「自動性技法」；抽象表現主義的「低限藝術」，至行為藝術、觀念藝術、裝置藝術及身體藝術，完全不涉畫理與技巧，大眾化主義取代了人文價值，藝術品出現異化與扭曲的情況。

今日，「當代藝術」已成潮流詞彙，大眾咸認為：當代藝術乃指那些讓人看不懂的作品。這究竟原因何在？其實藝術史學者早有定論：當藝術打破傳統，作品已不再單求賞心悅目，它不再呈現循序漸進式的線性發展，沒有藝術家團體的產生，不再集中於城市化，而是全球一體熔爐式的綜合模式，每個人皆亟重構新的觀念，才可掌握新的思維。

處在科技日新月異的遽變時代，當代藝術，無遠弗屆，但它是開啟藝術新領域，再建人文新思維，或是造成詐術與亂象；嚴重打擊了偉大的藝術傳統；污衊了架構嚴謹的西方美學，並加速了人類向下沉淪的後果？再者，人文藝術有其承傳的傳統，豈可如當代藝術所言「那是過時的傳統」，從而予以抹殺。其實，在人過去的歷程中，藝術足以美化人生、陶情養性，也可教養人群，提供美的享受，令人過著有尊嚴的生活，這就是藝術的真正的意義和價值！

形似與神似

「論畫以形似，見與兒童鄰。」

------ 蘇東坡

南齊謝赫的「六法論」，是我國古代美術品評作品的標準、美學原則，也是歷代畫家視作衡量繪畫成敗高下的準則。自南朝到現代，「六法論」已成最具權威性的理論。六法者何？一是氣韻生動，二是骨法用筆，三是應物象形，四是隨類賦彩，五是經營位置，六是傳移模寫。

在六法中，擺在第三位的「應物象形」，乃屬有關形像的問題，這也表明在南北朝時代，繪畫美學非常重視「形似」，以及著重描繪物件的真實性，故將它置於氣韻與骨法之後，也表明了當時的藝術家，已深刻地把握了藝術與現實、外在表現與內在表現的關係。「應物象形」是指畫家的描繪，要與所反映的物件形似，應物就是刻畫出物件的形態外觀。

其實，除了「形似」，國人更重「神似」。以形寫神、以物傳神、寫實與寫意、形神俱備……一大堆詞彙，在在論說了古今中外藝術理論的論述，也與認識、再現事物特徵有著緊密的關連，亦是藝術創作中重要的理論。

對我國繪畫術語而言，「神似」與「形似」是呈對稱的狀況，指出了主客觀相的統一，以及由事物的表象到意象的深化的意象。即「神者形之用，形者神之質」。北宋蘇東坡有「論畫以形似，見與兒童鄰。」之說，畫不可只尚形似，也不徒寫形，必要形神同在，故「形神兼備」，便成了繪畫藝術的定論。

東晉畫家顧愷之有「傳神論」之說，他認為寫人物畫，外形面貌雖相當重要，但最重要的仍在表現人物的神髓，即「寫神」，由於眼睛是人的精神所在，故「點睛」便成了最重要的最後步驟，透過「靈魂之窗」，將人的神髓表露無遺，看他的傳世名作《洛神賦》，正好說明了「形神兼備」理論，畫中不單表現出人物的形態，更重視其內在氣質，以「心眼」穿透了人物的「神」。

在習畫的初段，東西方各有「臨摹」及「摹仿」的理論，亦即六法中的「傳移模寫」，唯此僅屬習畫的基礎訓練而已！古人常謂不尚形似，乃務肖其神明也。因為「形似」只在表現事物細節的真實，「神似」才能表視事物本質的真實。當然，在藝術創作中，事物往往需要通過細節去表現，但仍要深刻反映事物的本質，若單一地只追求形似，將不可避免地流於程式化或公式化，乃出現常為畫家所摒棄的「匠氣」。

對「神似」的理解，不能只簡單說它超越了「形似」，，它實則是更具豐富而深刻的藝術內涵，足可準確深入掌握事物的特徵。藝術家在掌握處在千變萬化的的客觀事物之中，能捕捉其內在的特徵，才能生動地反映其本質，例如一幅神似的肖像畫，只能是藝術家立於對所畫對象的性格與經歷有所了解的基礎上，才能創作出來。

藝術家為了追求神似，在日常生活中，往往對事物的觀察，經常進行深刻的構思，勢必更為深入傾注自己的想法、感情和趣味，故「神似」的作品必成表現個性化的藝術，不論採用何種藝術形式，皆因蘊藏著內在的抒情成份，故洋溢著動人的詩意！

雖然，「形神兼備」，成了繪畫藝術的定論，但從藝術作品去看，追求「神似」的傑作，常有脫略「形似」的表現，作品處於似與不似之間，如石濤的山水、八大山人的花鳥、齊白石的蝦蟹，往往不作精緻的描寫，避免分散觀賞者的注意力，更因改變了細節的真實，給與藝術突出當中的真相，總言之，「神似」的作品，必有其獨特而難能可貴的面貌！